Les premières fonctionnalités offrent parfois des gemmes cachées sous un langage encore non brutalisé. Pas tellement "The Cakemaker". Même une brève conversation avec son directeur suggère qu'il s'agit d'un début fondamentalement conçu et réfléchi qui fusionne le documentaire et le mélodrame.
Avec une palette et une intrigue à des moments qui rappellent Almodovar, bien qu'aucun extravagance, le film tourne sur Thomas, un pâtissier allemand dans un petit café de Berlin. Après la mort d'Oren, son amant israélien et marié qu'il appelle, il se rend à Jérusalem pour localiser la femme et le fils d'Oren et commencer un processus de guérison. Pré-vendu bien par Films Boutique et vedette Tim Kalkhof, inconnu au-delà de la télévision allemande, "The Cakemaker", qui prend son temps avec des coups et des récits, s'intéresse à l'amour qui n'a pas de politique de genre et de réconciliation dans le contexte d'un orthodoxe Le système juif ne laisse presque aucun espace aux personnes vivant sous son joug.
Variety a parlé avec "The Cakemaker", le directeur, Ofir Raul Graizer, qui dispose d'un programme de cinéma court mais notamment multi-lauréat.
Comme dans ce qu'on appelait New Queer Cinema, l'homosexualité du protagoniste n'est pas un problème central de "The Cakemaker". Pouvez-vous commenter?
Je suis gay, et l'origine de l'histoire est un homme que je connaissais qui, tout en ayant une famille, rencontrait des hommes. Il y a beaucoup de gens comme ça. Ensuite, j'ai appris de sa femme qu'il est mort. Cela m'a frappé. Ce n'était pas vraiment intéressant pour moi s'il était gay ou non. C'est une question de savoir comment vous définir vous-même en termes non seulement de faits, mais aussi culturellement. Les gens du film – le protagoniste, son amoureux et la femme de son amant – ce qu'ils ont tous en commun, c'est qu'ils ne veulent pas être définis d'une certaine manière. Ils veulent être, bien qu'il puisse sembler kitsch de dire cela, ils veulent être des êtres humains, non définis par la sexualité, le respect de la religion
ou nationalité. Ces choses ne sont pas importantes.
Un aspect intéressant du style du film est la longueur de ses coups. On pourrait presque se sentir lorsque la plupart des administrateurs réduiraient, et pourtant, vous maintenez des coups une ou deux secondes de plus – ce qui est essentiel à la façon dont nous percevons les personnages dans leur solitude. Quelle était votre approche à ces prises soutenues?
J'aime l'esthétique et les choses planifiées et le personnage qui se déplace là où je leur dis. Mais j'aime vraiment un regard documentaire. Je me battais toujours sur le film sur l'approche de savoir si je voulais que ce soit plus commercial ou artistique. Pour moi, cette longueur de tir était une possibilité de regarder les personnages de manière documentaire même si je les ai placés dans des ensembles conçus où tout était prévu. C'était une stratégie pour me dire que je ne pensais pas au film en termes de publicité ou d'art: j'allais le faire selon mes instincts. Mes instincts m'ont dit: tout est prêt et prêt, alors prenons le temps. Ne nous arrêtons pas et ne nous arrêtons pas. Dans l'édition, tout le monde a déclaré «chop chop, cut cut, c'est trop long.» Mais il se sentait juste. Je suis fier de pouvoir me battre pour ça.
En ce qui concerne la palette de couleurs du film, il existe un équilibre entre une approche plus réaliste et très esthétique. Comment avez-vous travaillé avec votre cinéaste pour construire l'esthétique?
J'ai rencontré mon d.p., Omri Aloni à l'école de cinéma. Nous avons fait deux courts-métrages, mon film diplômé et un autre. Nous aimons tous deux travailler de la même manière. Je voulais créer à travers les couleurs et d'autres recours un changement dans le point de vue du film. Pour le démarrer avec des couleurs amoureuses, voire celles de la fantaisie, comme elle tourne sur le protagoniste et l'histoire d'amour. Ensuite, faire une forte coupe lorsque le film arrive à Jérusalem. Là, il est rugueux, froid, granuleux. Puis, lorsque Jérusalem commence à faire partie de la vie de Thomas et que la réalité change pour la veuve d'Oren Amat, elle devient plus chaude, plus colorée, plus vibrante, même si une certaine rugosité reste.
Lorsque nous retournons en Allemagne, il y a la couleur chaude: une fantaisie mélodramatique kitschy complète, et je l'aime. J'ai eu beaucoup de chance de tirer sur des caméras différentes. A Berlin, une Amira, à Jérusalem, nous avons eu un Sony F7 qui est beaucoup plus granulé. C'était parfait.
Vous faites un usage frappant du zoom. Au cours des 20 premières minutes, vous agrandissez le protagoniste. Ensuite, vous vous arrêtez pendant une demi-heure, puis une fois de plus, le zoom apparaît. Pourquoi?
Le zoom avant est pour moi l'outil cinématographique le plus incroyable. C'est une chose purement cinématographique. Vous ne l'avez pas ailleurs, pas dans les alambiques, le théâtre, la danse ou la peinture. Zoom est le cinéma, le plus grand cinéma, des années 70. L'âge d'or italien, les cinéastes les plus merveilleux et il n'y aura plus jamais de films comme ils ont utilisé le zoom tout le temps. Le zoom arrière entre dans les caractères de loin. Vous entrez dans les yeux et l'âme du protagoniste en une seule prise, d'un seul coup. Chaque fois qu'il y a une sorte de moment de réalisation ou un moment où le personnage sort de leur zone de confort, il y a un zoom. Ce sont les moments où les personnages ont une certaine compréhension de la réalité. C'est pour moi le moment le plus étonnant d'utiliser ce magnifique outil. Je l'aime.
Beaucoup de gros points d'intrigue de l'histoire, comme la mort d'Oren, se produisent hors de l'écran. Pourquoi cette décision? Et le film a très peu de dialogue, donc avant son design sonore …
Oui. Le fait que vous ne voyez pas la mort d'Oren est parce que c'est le voyage de Thomas. Il n'y a pas tellement de dialogue, mais c'est un film très fort – vous entendez même le réfrigérateur dans la cuisine. L'éditeur de sons m'avait parfois demandé si c'était un peu trop et j'ai dit: "Non, non, montez." La seule fois où le film est vraiment silencieux, c'est le Shabbat, où tout s'arrête et le protagoniste est seul.
John Hopewell a contribué à cet article
