Matthew Bourne 'The Red Shoes' Review

Bien qu'il y en ait peu qui discuteraient de l'endroit où Michael Powell et Emeric Pressburger "The Red Shoes" est le meilleur film de danse de tous les temps – en se concentrant sur l'énergie des coulisses et l'ambition de tout ou rien d'une ballerine qui vit littéralement à la danse et qui meurt au moment où elle permet à l'amour d'interférer avec cet engagement – le maître chorégraphe Matthew Bourne a effectivement trouvé un moyen d'améliorer le classique de 1948: pour tous ses plaisirs, «The Red Shoes» était plutôt court sur la danse, et maintenant, aussi brillamment reconnu par Bourne, ce n'est rien d'autre chose: un pinceau kaléidoscopique de couleur, de mouvement et de pantomime de film muet parfaitement adapté à la scène.

Effectué sans un seul mot de dialogue, la production de Bourne a été lancée pour la première fois à Londres l'année dernière et fait sa première américaine à Los Angeles, où le film est largement connu sous le nom de préféré de Martin Scorsese, mais peut-être moins connu que il mérite. Les audiences ferait bien de (re) regarder le film à l'avance, ne serait-ce que pour clarifier le conflit central de l'émission, qui n'est autrement pas apparent avant un battement avant l'entracte, quand une émotion passionnée entre l'ingénue à tête rouge Victoria Page et le talentueux jeune compositeur Lucian Crasta menace de dérailler à la fois leur carrière (un choix tragique de mots, compte tenu du rôle qu'un train joue dans son destin).

À l'écran, où ces choses sont clairement définies par le dialogue, la citation la plus reconnaissable provient de l'impresario russe Boris Lermontov, un fou de contrôle semblable à Svengali qui croit que créer de l'art est un privilège, et il faut être prêt à nier la vie les plaisirs à son service: «La musique est tout ce qui compte. Rien que la musique. "

Pour Bourne, c'est la danse qui a préséance, et il retrace l'intrigue désormais simplifiée pour s'adapter au moyen, en alternant entre les solos, les duos et les arrangements complets avec son casting de 17 personnes (les pièces tournent de nuit en nuit entre une entreprise près de trois fois cette taille). La musique, quant à elle, appartient au grand compositeur d'écran Bernard Herrmann, réassemblé à partir de multiples partitions, dont «Citizen Kane», «The Ghost and Mrs. Muir» et «Fahrenheit 451» (pour le ballet éponyme du spectacle).

Lors de la représentation suivie, Victoria Page a été jouée par Ashley Shaw, une petite et vive chienne roux qui est à parts égales Moira Shearer (l'actrice qui a créé le rôle à l'écran) et Debbie Reynolds (comme on l'a vu dans "Singin 'in the Rain" ), avec des yeux si grands – et si habilement accentués par le maquillage – ils lisent clairement de l'arrière de la maison.

Déjà connu et largement respecté pour son révisionniste, il prend «Swan Lake» et «Cinderella», Bourne suit de plus près le film de Powell et Pressburger, mais lui permet encore une certaine latitude pour rationaliser l'histoire. Par exemple, dans le film, Page se voit refuser l'opportunité d'auditionner pour Lermontov lors d'une soirée post-performance, alors que là, c'est l'occasion parfaite pour le premier solo du danseur élégant.

Lors d'un cocktail où les invités font une balle en vase, Victoria fait toute l'impression sur tous les présents, y compris Lermontov (Sam Archer), qui a l'habitude de répéter le dernier spectacle du maestro. Mais ce n'est que lorsque sa première ballerine (Michela Meazza) se tord la cheville que Victoria obtient son tir – marquant un changement assez important du film, où il ne s'agissait pas de blessures mais de mariage (un paralysme volontaire, selon Lermontov) qui l'a mis fin carrière et a clairement établi l'engagement qui attendait de Victoria à l'avenir.

Dans "The Red Shoes", l'amour et la carrière sont incompatibles. Pour atteindre la grandeur, un danseur doit choisir entre eux. Et comme dans le conte de fée Hans Christian Anderson pour lequel il est nommé (et qui sert d'inspiration pour le superbe spectacle-dans-le-spectacle), ce choix est fait au moment où Victoria tresse les chaussures rouges, car c'est alors qu'elle s'engage à danser. Ces pantoufles de rubis, aussi magiques que celles qui ont emporté Dorothy à la maison d'Oz, sont des chaussures à pointes, qui gardent le danseur sur ses orteils: elle ne peut jamais se reposer, ne jamais se retirer, mais doit continuer à bouger … ou bien mourir d'un épuisement .

Le film trompe "The Ballet of the Red Shoes" dans le fait que Powell et Pressburger emploient toutes sortes d'effets visuels – dont beaucoup remontent aux films de Georges Méliès – qu'aucun danseur ne pouvait recréer sur scène (Victoria entre dans les chaussures, et par la magie d'une coupe, ils sont instantanément attachés, tandis que les épissures nettes permettent aux autres danseurs d'apparaître et de disparaître à ses côtés). Mais Bourne embrasse cette impossibilité, mettant en scène ce ballet de pièce maîtresse sous une série d'arcs blancs, qui double comme des écrans sur lesquels il est libre de projeter des images cinématographiques.

Il s'agit d'une réinterprétation radicale de la séquence de signature du film, qui a fait passer les limites du processus de trois bandes de Technicolor avec un assortiment de tableaux audacieux et fluorescents. En revanche, la version de Bourne est presque monochrome – sauf les chaussures rouges et les rayures cramoisi du costume de Shoemaker méchant – et utilise cette toile de fond blanche pour accentuer les silhouettes des danseurs tout au long. C'est aussi la seule fois que Bourne embrasse le proscenium traditionnel de la scène, impliquant subliminallement que "The Ballet of the Red Shoes" n'est pas seulement un spectacle-dans-le-spectacle; C'est le spectacle lui-même.

Pour souligner ce choix, le designer de plateau Lez Brotherston a construit un petit proscenium, complété par un rideau, qui roule en avant et en arrière et tourne au besoin, descendant souvent sur une diagonale nette qui offre aux spectateurs un angle neuf et peu conventionnel à partir de pour observer l'action. Cette arche en mouvement situe le public tout au long du spectacle, privilégiant la vue en coulisses aussi souvent que non – comme dans une série de spectacles de Monte-Carlo, où les danseurs extravagantement habillés exécutent avec le dos l'auditoire, tout en faisant face aux lampadaires. Ce dispositif évoque non seulement "The Red Shoes", mais aussi son descendant post-moderne, la méta-musicale "All That Jazz" de Bob Fosse.

Dans ces rares cas où l'arche disparaît complètement, Bourne est libre de chorégraphier des interludes ludiques "hors scène", comme la séquence Busby Berkeley-esque "Ballon de Plage", située au milieu d'une fête à la plage dans laquelle la fonte entière fléchit muscles en maillot de bain du milieu du siècle. En parlant de costumes, Brotherston s'aventure dans ce département, en prenant des indices du film avec son pantalon de taille haute et ses chemises à rayures marines françaises, tout en inventant une série d'autres visages inspirés de la période somptueuse pour accentuer les physiques gracieuses de l'ensemble. Mais, bien sûr, le public du détail se rappellera le plus: la première et la dernière chose sur laquelle les projecteurs tombent – sont les chaussures rouges elles-mêmes.

L.A. Examen du théâtre: Matthew Bourne 'The Red Shoes'

Production

Creative

Réalisé par Matthew Bourne. Chorégraphie, Bourne. Directeur associé, chorégraphie, Etta Murfitt. Ensembles, costumes, Lez Brotherston; musique Bernard Herrmann; lumières, Paule Constable; Son, Paul Groothuis; conception de projection, Duncan McLean; orchestrations, Terry Davies.

Cast

Sam Archer, Ashley Shaw, Dominic North, Michela Meazza, Liam Fower, Leon Moran, Cordelia Braithwaite, Kate Lyons, Stephanie Billers, Seren Williams, Joshua LM Marriette, Will Bozier, Andrew Monaghan, Philip King, Nicole Kabera, Jack Jones, Joe Walking.