Si la seule chose que nous voulions, ou attendu, un film d'horreur à faire était de sortir de vous – pour que vos yeux s'élargissent et que votre mâchoire tombe, pour vous laisser dans des spasmes étincelants sans rigueur de l'incrédulité WTF – alors Darren La "mère" d'Aronofsky devrait être considérée comme une sorte de chef-d'œuvre. Comme il est, le film, qui montre Jennifer Lawrence comme une femme qui glisse dans un trou de lapin de c paranoïaque qui se passe-t-il? réalité (elle élimine un cœur battant les toilettes, le sang en forme de vagin se fond à travers les planches de plancher, et oh, les wackjobs qui continuent à apparaître!), Est loin d'être un chef-d'œuvre. C'est plus comme une machine éblouissante de réalité virtuelle conçue pour ne rien faire mais une augmentation de votre part. C'est un cauchemar baroque qui n'est que d'autre que lui.
Pourtant, pour une foule de plus en plus large de l'audience de cinéma, cela peut être suffisant. "Mère!" Est souvent amusant dans une connaissance sur le dessus, look-ma-no-hands! façon. Demander un film comme celui-ci soit plus qu'il ne le soit – pour lui demander de se connecter à l'expérience d'une manière significative – peut, à ce stade, paraître pittoresque et démodé et sans pertinence. Compte tenu du nombre de films d'horreur recyclés crus par des hacks qui marquent au box-office, le film est presque destiné à être un succès, peut-être même une «sensation», car Aronofsky n'est pas un hack – il est un sorcier sombre des arts cinématographiques. Pourtant, ses deux plus grands films, "Requiem for a Dream" (2000) et "The Wrestler" (2008), sont tous deux imprégnés de la dimension humaine, alors que «la mère!» Est un élément de l'humanité ersatz. Sa redoute n'a pas de résonance; C'est un scénario hermétiquement scellé qui se transforme en une expérience fausse et trippy. Par tous les moyens, passez à la «mère!» Et profitez de son exhibitionnisme riche en montagnes. Mais ayez peur, très peur, que si vous espérez voir un film aussi honnêtement inquiétant que voyant.
Dans la campagne verte et éloignée, Lawrence joue la jeune seconde épouse d'un auteur de célébrités d'âge moyen d'une poésie sympa, jouée par Javier Bardem. (Les personnages sont identifiés dans les crédits uniquement en tant que «mère» et «lui».) Elle rénove le manoir historique rustique exquis et élégant du couple. L'endroit se trouve au milieu de nulle part, entouré de rien d'autre que l'herbe, les arbres et le vent, comme un chateau de campagne à paroi ronde: pas de route, pas d'allée, aucun service de téléphonie cellulaire. C'est une maison avec de grands os, comme on dit, mais l'endroit a été brûlé dans un incendie, ce qui a détruit tout ce que Bardem avait, y compris sa première femme. Dans les cendres, il a trouvé un cristal bruni, qui lui a donné la foi pour continuer (il est monté dans son étude), et Lawrence veut sentir la foi aussi. Elle ne se contente pas de réparer une maison; Elle rétablit leur vie.
Cela, cependant, va être un défi, puisque Bardem, qui a été un écrivain bloqué depuis le feu, se balaie avec des sourcils tricotés et un bouclier amers, traitant Lawrence moins comme quelqu'un qu'il aime que comme ballon, et la chaîne dont il est déjà fatigué. La chose la plus étrange à propos de «mère!», C'est qu'elle prétend être un «drame psychologique», mais les Tensions Simmering Below The Surface sont toutes en surface. Aronofsky, qui a écrit aussi bien que dirigé le film, semble dessiner des personnages et des situations à partir d'une tradition jalonnée d'horreur de B-film trop flagrante. Mais l'évidence intentionnelle peut-elle être un style rusé? Il n'y a pas de sous-texte pour «la mère!» – juste la réalité pop hyper-synthétique et flatteuse du film.
Au début, il y a un coup mystérieux sur la porte. C'est un skeevy et dérangé, Ed Harris, qui a trouvé son chemin vers la maison tard dans la nuit, et agit étrangement agressif et familier (à Bardem: "Ta femme, je pensais que c'était ta fille!"). La chose même inconnue est que, en quelques minutes, lui et Bardem sont assis comme de vieux amis copains, comme s'ils étaient au milieu d'un complot. Lorsque Bardem l'invite à rester là-bas, Lawrence littéralement dit: «Il est étranger. Nous ne le laisserons pas dormir dans notre maison. "Que Bardem traite un étranger comme une famille et sa femme comme une merde n'a pas vraiment de sens, mais le film nous demande d'accepter que nous soyons dans la" Twilight Zone " version d'un univers "Green Acres", où tout ce que Lawrence pense, dit et fait est faux, et elle va souffrir pour cela, tout ça … bien, il n'y en a pas parce que. Tout parce que c'est la règle du mal du film.
"mère!" Est un cauchemar joué comme une hallucination jouée comme un jeu vidéo de théâtre absurde qui semble descendre, niveau par niveau, à de plus en plus de profondeurs extrêmes d'intensité dépravée. Vous pouvez dire qu'Aronofsky s'appuie sur "The Shining" (le cadre isolé et le ressentiment pierreux de Bardem) et aussi sur "Rosemary's Baby", le plus grand des films d'horreur paranoïaques. Si oui, cependant, il se dirige droit pour la scène finale du film dans le visage, du parti avec le diable ("Hail Satan!"), Dont le réalisateur Roman Polanski a pris tout un film de deux heures. Ce film était une vision de rêve de grossesse dans laquelle Rosemary payait le prix pour sa confiance et sa naïveté. Mais quel est, exactement, le péché que Lawrence paie?
La façon dont «mère!» Le dépeint, elle est une adepte du bon goût saisonnier qui est trop obsédé par son projet de restauration à domicile Martha Stewart. Mais sérieusement, c'est un crime? Le rôle, tel qu'il est écrit, est tellement mince que Lawrence, de longs cheveux séparés au milieu, doit l'infuser avec sa personnalité pour créer un semblant de personnage. Elle rend cette victime-héroïne un cœur chaleureux, désireux et raisonnable qui est plein de sentiment (et veut avoir un bébé lui-même), mais regarde sa vie se transformer en une maison de torture.
Elle prend un élixir doré mystérieux, qui peut avoir des propriétés de modification de la tête. (Mais alors elle arrête de la prendre, et la folie s'intensifie de toute façon.) Le fait qu'elle imbibe toute substance du tout peut lier le film, dans l'esprit d'Aronofsky, à la section Ellen Burstyn de "Requiem for a Dream", dans laquelle le réalisateur Imaginé la dépendance aux amphétamines comme une hallucination de l'enfer. Mais cet épisode scandaleux et mémorable a exprimé quelque chose de profond et vrai: c'est ce que les drogues pourraient faire à votre cerveau.
Dans "mother!", Le cinéaste, fondamentalement, continue de trouver de plus en plus de moyens pour punir son héroïne. La femme de Harris survient, et elle est un bourdonnais joué avec une férocité flagrante, par Michelle Pfeiffer. Un peu plus tard, nous rencontrons les enfants adultes du couple (joués, entre autres, par Brian et Domhnall Gleeson), qui sont en désaccord, et tout ce qui s'est produit jusqu'ici commence à ressembler à un jeu d'enfant. Nous sommes maintenant plus ou moins en train de se débrouiller, nous nous réfugiant dans l'apathie d'Aronofsky pour mettre en scène le délire, même si son utilisation implacable de gros plans devient claustrophobe.
Il y a une audace abstraite pour «la mère!» L'horreur du film détruit tout, des hordes de la célébrité à la peur des nazis et des terroristes, à … oui, qu'est-ce que cela signifie d'être mère (avec le plus ironique du monde? point d'exclamation). Tout cela fait que le film semble ambitieux. Mais cela en fait un film qui ne concerne que tout et rien. Vous pourriez dire que c'est la vision d'Aronofsky (confessionnal?) De ce que c'est comme être marié à un célèbre artiste égocentrique. Mais vous pouvez également dire que «la mère!» Est tellement déterminée à mettre une femme méchante dans la terreur des damnés qu'il y a un résidu de misogynie à son design. Mettez-vous dans une fin de torsion digne de M. Night Shamyalan (une bonne ou une mauvaise chose? Peut-être les deux), et vous avez un film d'horreur de tête avec quelque chose pour tout le monde – sauf, peut-être, pour ceux qui veulent émerger sentir plus hanté de l'assaut.
