Il n'a jamais été un amour total – lui-ou-haine-lui chose – bien que vous puissiez toujours trouver un purifiant cinéphile ou deux à grouse à propos de lui, avec une ferveur aussi irrationnelle que intense. Cela dit, il y a une qualité indéniable de la qualité des Beatles-person-vs.-Stones au débat suivant: Soit vous pensez que Steven Spielberg est un génie, qu'il a créé une série de films – pas seulement les premiers – qui sont imprégnés de une vision de transport, avec un flux de sensations et une intuition caméra-oeil unique dans l'histoire du cinéma; ou vous pensez que Spielberg est un douanier fabuliste doué avec plus de flash que de profondeur, le genre d'animateur brillant mais finalement facile qui mérite d'être appelé comme «manipulateur», «sentimental», «agréable à la foule», "Et – oui -" peu profond ".
Si vous êtes dans le dernier camp, alors vous ne répondez probablement pas à «Spielberg», un portrait documentaire de l'homme et de deux heures et 27 minutes, et (surtout) ses films qui ont été créés ce soir au New York Film Festival. (Il a été fait pour HBO et débutera ce samedi prochain sur ce réseau.) Pourtant, si, comme moi, vous êtes un croyant de Spielberg, alors vous êtes susceptible de trouver ce film un double coup de bonbons aux yeux et des bonbons . Le film évoque ses forces (et, parfois, ses faiblesses) en tant que cinéaste avec une vision critique 20-20. Il est plein de séquences de films à la maison rares qui captent Spielberg sur le plateau, et son émergence du paquet réalisateur de rat du New Hollywood, plus intimement que je n'ai jamais vu ces choses dépeintes.
Il est également emballé avec des anecdotes et des images vives, résonnantes – des souvenirs de Spielberg d'être dérangé au point de désespoir exalté en voyant "Lawrence of Arabia" à 16 ("The bar was too high") de lui orchestrant les réactions minute de Henry Thomas dans "ET, The Extra-Terrestrial", de son histoire du premier dépistage super-brut de "Star Wars" que George Lucas a tenu pour Spielberg, Brian De Palma, Francis Ford Coppola, et Martin Scorsese (De Palma est allé apoplectique avec la façon dont il a été désorienté, ce qui a permis à Lucas d'imaginer ce raid d'ouverture) à Dustin Hoffman expliquant comment Spielberg est capable de compartimenter et de multi-tâches son talent (" Steven Spielberg est un gars qui travaille pour Steven Spielberg ").
La plupart du temps, cependant, avec son regard pénétrant sur une carrière qui couvre maintenant un demi-siècle, «Spielberg» enrichit une série de films que vous – ou, du moins, certains d'entre nous – ne jamais se lasser de penser. C'est comme la version gratuite de HBO d'un document "American Masters" de PBS.
Spielberg a toujours été un sujet d'entrevue volumineux et articulé, si aussi un cagey (il sait comment parler une série bleue et garder sa garde). Ici, en regardant en arrière avec la directrice du documentaire, Susan Lacy, il prouve un explorateur de tendances de la vie et du travail, singulièrement captivant. Spielberg peut être drôle et assez franche, car il rappelle qu'en tant qu'adolescent, il sortirait dans la rue avec ses amis, et ils entendraient son grand-père juif russe crier "Shmuel!" (Steven's Nom en hébreu), ce qui l'a fait mourir d'embarras. Les Spielbergs étaient orthodoxes, et Steven, le seul enfant juif dans son voisinage de Phoenix, Arizona, est venu s'emmerger de son identité ethnique. (Il ne pourrait jamais admettre à ses copains qu'il était le Shmuel redouté). C'est pourquoi sa première caméra de film de 8mm était un changeur de jeu. C'était la petite machine qu'il a cachée derrière … à l'extérieur.
Spielberg affirme qu'il reste nerveux, en jeu, chaque fois qu'il doit tirer sur une nouvelle scène, une confession qui pourrait vous faire aller "Ouais, à droite", jusqu'à ce qu'il explique que ses meilleures idées arrivent lorsqu'elles sont pompées par l'adrénaline de l'anxiété. C'est une façon de travailler qui peut avoir découlé de son expérience sur les "Jaws", qui est coloré ici avec un sens de l'histoire du film qui a été faite.
C'était le premier film d'hommes dans un bateau à être tiré entièrement en mer, et l'insistance à ce sujet, même s'il prolongait le tir de 54 jours à près d'une demi-année, devint la pierre angulaire du garçon de Spielberg, merveilleuse virtuosité. La calamité logistique constante (requins déchiquetés, la couleur du temps et de l'océan devenant un exploit pour faire correspondre les tirs) signifiait que Spielberg devait non seulement planifier, mais improviser, en inventant (par exemple) une grande partie de l'entreprise avec les barils jaunes quand il s'est rendu compte que Un baril traîné dans l'eau par un requin a travaillé tout aussi bien que montrer le requin. Le mot autour d'Hollywood était que "Jaws" allait être un désastre, mais c'était Spielberg, et Spielberg seul, qui avait le film dans sa tête.
Nous voyons des clips de ces films de l'adolescence de 8 mm, qui, déjà, de forme primitive, ont la qualité de l'émerveillement qui a marqué «Rencontres proches du troisième type». Éloigné de son père après le divorce de ses parents, Spielberg était un nerd qui se sentait complètement quand il était derrière la caméra, où la simple énonciation de "Action!" et "Cut!" a semblé qu'il pourrait contrôler son destin. Il y a une histoire légendaire: il pourrait être apocryphe, mais cela pourrait aussi être vrai – sur la façon dont il ne s'est pas contenté de se jeter sur le lot universel en tant qu'adolescent, mais a installé un bureau là-bas, avec un téléphone professionnel, dans un grenier caché.
Il a définitivement retenu un ensemble d'Alfred Hitchcock, et lorsque Sid Sheinberg, l'exécutif universel et futur chef du studio, a attrapé la contre-culture poétique de Spielberg 1968 "Amblin", il a reconnu qu'il voyait une fois-en- une voix de génération. Spielberg admet qu'il a façonné le court avec les dirigeants – plutôt que le public – à l'esprit, et le résultat est que, à l'âge de 20 ans, il s'est retrouvé en direction de Joan Crawford dans la version de film de la "Night Gallery", qui devait mettre en place avec une légende qui l'a méprisé pour être un enfant. (Alors il a serré les dents et a allumé l'épisode comme un maître.) Les clips de "Duel", sa sensation d'un film télévisé de 1971, à l'âge de 24 ans, vous rappelle que Spielberg, dans ce film, a inventé avec enthousiasme Le langage «shot-eye-shot» à l'approche duquel George Miller a dessiné huit ans plus tard dans "Mad Max". C'est l'impressionnant "Duel".
Nous pensons au début de Spielberg en tant que créateur de la fantaisie, mais ce n'est pas tout à fait raison. Plus que tout le monde avant lui, il a fait de la fantaisie réelle – de la même manière, plus tard, il ferait de la guerre, dans «Saving Private Ryan», plus réel que Oliver Stone, même si Stone était un combat vétéran et Spielberg, un geek qui n'avait jamais été en quête. L'imagination était le genre de Spielberg, mais la fluidité graphique de la réalité était son langage visuel. Parlant de "Rencontres proches", Spielberg dit qu'il voulait laisser le public avec la sensation qu'ils avaient littéralement vu une observation d'OVNI, et damné s'il ne l'avait pas décalé. Je peux témoigner qu'en 1977, le film a émerveillé toute l'horreur – même si 40 ans plus tard, sa transcendance aux yeux étoilés s'est évanouie, sans foi, de la culture.
Vous pourriez dire que chaque directeur doit être humilié par un désastre, mais dans le cas de Spielberg, l'humilité l'a blessé esthétiquement. La catastrophe, bien sûr, était "1941", sa comédie surréalisée de la Seconde Guerre mondiale, sorti en 1979. Spielberg admet volontiers l'ampleur épique de son échec, mais à l'époque, il a peut-être tiré une mauvaise leçon. Après être devenu, avec seulement trois fonctionnalités, le directeur le plus populaire de son époque – l'artiste rare avec une touche mondiale d'or – il a été piqué par le rejet par le public de lui. Parce qu'il avait eu tellement de succès, le colossal raté de "1941" a minimisé le sens de sa marque.
Dans "Spielberg", il dit que ce qu'il voulait vraiment faire ensuite était de créer un film de James Bond (et juste penser à cette proposition peut vous donner un picotement). Au lieu de cela, léchant ses blessures, il a permis à George Lucas de venir à sa rescousse en faisant équipe avec lui sur "Raiders of the Lost Ark". Le résultat était un classique de cliffhanger instantané qui manquait de l'insolence lyrique spéciale de Spielberg. C'était en 1981, et Spielberg était de retour sur le dessus, mais dans la perspective de ce critique, il passerait la prochaine décennie dans une sorte de nature sauvage créative, qui aboutirait à la détresse de "Hook". Il était encore Steven Spielberg, mais le grand les chiffres que ses films produisaient dissimulaient une crise d'identité.
C'était personnel aussi bien que créatif. Spielberg parle de son divorce, d'Amy Irving et de son remariage, à Kate Capshaw, avec assez de franchise pour nous permettre de voir comment cette convulsion domestique a été parallèle et a guidé sa renaissance en tant qu'administrateur. Avec «la Liste de Schindler», il a examiné l'Holocauste avec la force de nettoyage d'un cinéaste qui pourrait maintenant imaginer les courants de l'histoire dans son esprit. C'était un film qui a transformé la vérité de l'ombre humaine en quelque chose d'étrange, et il a redéfini Spielberg en tant qu'artiste non seulement pour le monde – mais surtout pour lui-même.
Spielberg, à travers le documentaire, parle avec une exactitude fluide qui reflète la concision exploratoire de sa langue de tir. Mais il est loin du seul bon interlocuteur ici. Ses vieux collègues et collègues, comme Lucas et De Palma et Scorsese, évoquent leur souci de l'innapacité particulière des capacités de Spielberg et le film est plein de voix critiques qui analysent habilement la magie de Spielberg (elles incluent Janet Maslin, AO Scott, Todd McCarthy, J. Hoberman et David Edelstein, particulièrement éloquente). La mère de Spielberg, Leah Adler (qui est décédée en février), et ses sœurs croient dans leur affection toujours aussi intimidée pour lui. Et bien que le film ne se moque pas des films les plus faibles de Spielberg (comme "The Color Purple"), et lance de bons, mais loin des grands ("Minority Report", "The War of the Worlds") dans le mélange sans exagérer leurs réalisations, il montre, avec une validité suprême, comment ils sont tous un morceau.
Spielberg dit que quand il regarde ses films, il pense que le grand thème qui émerge d'eux est la séparation et la réconciliation, un motif émotionnel qui s'applique même à «Lincoln». C'est un écho du divorce de ses parents et il définit la splendeur enivrante de ces films – de "Jaws" à "Saving Private Ryan", de "Close Encounters" à "Munich" – qui enregistrent le spectacle sismique des fissures dans le monde, mais avec la lumière, ainsi que le l'obscurité, versant à travers.
